Francesca Modena

Tecnicas Audiovisuales II

LLAVE PARA LA PISTA :)

TP1: TRATAMIENTO DE PUESTA EN ESCENA

Propuesta:

Montaje a la vista

El proyecto consiste en la realización de una escena filmada en una única locación, utilizando tres o más cámaras conectadas a un switcher en tiempo real. Este switcher estará operado en vivo por una persona que irá seleccionando, durante el transcurso de la acción, qué cámara se muestra en un monitor.
El encuadre principal estará dividido visualmente en dos mitades: por un lado, el monitor donde se verá el montaje “final” que se va generando en vivo; por el otro, el espacio escénico donde transcurre la acción y donde pueden verse las cámaras, los actores y al propio operador del switcher.
La intención es que convivan, en simultáneo, la representación y el dispositivo que la produce. De este modo, el espectador podrá observar tanto la escena como su montaje en tiempo real, revelando los mecanismos de construcción audiovisual.

PLANTAS Y STORYBOARDS :)

CREDITOS A EVA

Planta:

Lo que necesitamos para la instalación son cuatro cámaras, tres ubicadas desde distintos ángulos en frente de los actores y una ubicada a 45º de la persona que maneja el switcher.

TRATAMIENTO

TP 1 FINAL:

Una vez, estaba cambiando una lamparita en la cocina y me olvidé de bajar la llave de la luz. Apenas toqué el casquillo metálico sentí una chispa que me recorrió los dedos. Fue un sacudón breve, seco, como si alguien me hubiese apretado fuerte la mano desde adentro. Me quedó la yema un poco entumecida, con un cosquilleo raro, y durante un rato cada vez que movía los dedos me parecía que todavía había un pequeño zumbido en la piel.

RECUERDO DE ELECTRICIDAD EN EL CUERPO

FANZINE

FANZINE

DEVENIR DE UNA SENSACIÓN

RECUERDO DE OTRO CUERPO

UN LUGAR

UNA HISTORIA INVENTADO

UN RECUERDO

FOTO DESBORDE

Mi propuesta es una instalación con dos pantallas que muestran mi recorrido desde que vine de Jujuy hasta ahora que vivo en Buenos Aires. En una pantalla las imágenes se ven en orden, y en la otra al revés, hasta que las dos convergen.

El montaje es caótico: las imágenes de Jujuy se van mezclando y reemplazando con las de Buenos Aires. Quiero mostrar ese cambio, cómo una parte empieza a cubrir a la otra, pero sin borrarla del todo. Es una forma de pensar el paso del tiempo, el movimiento y todo lo que queda entre medio.

PROPUESTA DE EXHIBICIÓN

PROPUESTA DE EXHIBICION
bitácora

Mi propuesta es una instalación con dos pantallas que muestran mi recorrido desde que vine de Jujuy hasta ahora que vivo en Buenos Aires. En una pantalla las imágenes se ven en orden, y en la otra al revés, hasta que las dos convergen.

El montaje es caótico: las imágenes de Jujuy se van mezclando y reemplazando con las de Buenos Aires. Quiero mostrar ese cambio, cómo una parte empieza a cubrir a la otra, pero sin borrarla del todo. Es una forma de pensar el paso del tiempo, el movimiento y todo lo que queda entre medio.


EL VIDEO A SER EXPUESTO FORMA PARTE DE MI AUTORRETRATO Y SIGUE EN MONTAJE. EN CLASES PRESENTO UNA APROXIMACION

https://docs.google.com/document/d/1hvXq0X8VxQVKKRFV_nwrPw78aVW1B4Q6d_sLD2yWLg0/edit?tab=t.0

INSPIRACIÓN

https://drive.google.com/file/d/1whhEI7eQBdMX0kz8LqoJklw2PGrVB4u/viewhttps://drive.google.com/file/d/1-

LLAVE PARA LA PISTA :)

LLAVE PARA LA PISTA :)

DEMO AUTORRETRATO

Y DEMO MUSEO

Desde chica tengo una relación rara pero muy mía con las imágenes. Cuando me pedían que sacara una foto, siempre hacía la “oficial”, la que todos posaban, quietos, sonriendo. Pero yo esperaba ese segundo después, cuando bajaban la pose, cuando se relajaban, cuando alguien respiraba distinto o volvía a ser él mismo. Ahí apretaba el botón. Y esas fotos siempre terminaban siendo las mejores. En ese momento no entendía por qué, pero ahora sé que ya había en mí una necesidad de atrapar el movimiento, lo espontáneo, lo que aparece cuando nadie está actuando.
Con las películas me pasaba algo parecido: no solo las miraba, las absorbía. Se me metían adentro. Me peleaba con mis hermanos para ver quién era quién, quién iba a ser qué personaje en nuestro juego de después. Era mi forma de seguir viviendo la historia, de extenderla más allá de la pantalla.
Hoy estudio cine. Y a veces es un poco triste darse cuenta cómo funciona la industria por dentro, ver que no todo lo que se hace es valorado, que no todo lo que nace del amor por narrar llega a ser considerado “cine” por los demás. Entender ese lado me deprime un poco, como si se perdiera algo de esa inocencia con la que lo viví siempre.
Pero, al mismo tiempo, cuando pienso en mi mejor obra, no pienso en un guion, un corto o un proyecto académico. Pienso en esas fotos perdidas que sacaba sin que nadie supiera, en esos recuerdos de infancia donde me apasionaba por la historia de una película al punto de querer habitarla. Pienso en esa nena que buscaba capturar lo que se escapa. Y siento que ahí, en esa forma de mirar, estaba, Y sigue estando, mi cine.

MI RELACION CON EL CINE (TEXTO)

tratamiento

PARTE I (00:00–01:00)
Montaje compuesto únicamente por imágenes de Jujuy. Construcción de un espacio visual único y reconocible.
PARTE II (01:00–02:00)
Aparecen progresivamente imágenes de Buenos Aires intercaladas con las de Jujuy. La presencia de ambas locaciones se vuelve equilibrada hacia el final de la sección.
PARTE III (02:00–03:00)
Imágenes de Jujuy y Buenos Aires completamente mezcladas. Continuidad visual construida a partir de la coexistencia de ambos territorios. Cierre con una imagen que integra ambas procedencias.

REFLEXION 2 VIDEOS

FEEDBACK

John Cage, en Water Walk, transforma gestos cotidianos en una especie de montaje en vivo. Se lo ve encender y apagar una radio, verter agua en distintos recipientes, hacer sonar patos de goma, prender una licuadora y desplazarse entre todos esos objetos como si cada acción fuera un plano independiente. Cuando esas pequeñas intervenciones se encadenan, aparece algo parecido a una secuencia cinematográfica, pero construida solo a partir de sonidos y movimientos mínimos. Lo que más me interesa es que todo depende del directo: la presencia, el tiempo real, los errores, lo que sale distinto cada vez. En el cine ese proceso queda escondido, mientras que acá Cage lo expone y lo vuelve el centro de la obra. Es como ver un cortometraje que solo existe en ese instante y que nunca se repite igual.

Cuando uno revisita algo ya documentado, pasa que deja de ser “registro” y empieza a meterse en la obra misma. Lo que antes podía verse como una falla, un eco o un resto técnico, se vuelve parte del sentido. En I Am Sitting in a Room, en All of Our Friends Were There o en el fragmento de Good Morning Mr. Orwell con Merce Cunningham, aparece siempre esa vuelta: lo grabado regresa, se mezcla con lo nuevo y arma otra cosa. A veces muestra el paso del tiempo, otras un crecimiento, un gesto repetido o una frase que pierde claridad hasta ser puro sonido. Para mí ahí está lo interesante del feedback: te obliga a mirar y escuchar de nuevo algo que capaz ignoraste. La primera vez que escuché la frase de Lucier ni la registré; recién cuando volvió una y otra vez, deformada, pude interiorizarla. Es en esa repetición donde lo banal empieza a decir algo.

En el video Mariano Cohn 20 12 se ve a un hombre probando una camarita nueva mientras filma a su familia. Va cambiando los menús, tocando botones, haciendo zooms que quedan medio bruscos y activando funciones solo para ver qué hacen. Mientras tanto, la familia aparece en escenas muy cotidianas: alguien sentado, alguien pasando por atrás, miradas que van directo a la cámara sin entender bien qué está probando. Justamente ahí está lo interesante: sin buscarlo, se arma una especie de registro sobre cómo miramos cuando estamos filmando por primera vez. No hay una idea estética clara ni un guion, pero cada prueba termina formando una secuencia donde se mezclan lo doméstico, la curiosidad por la tecnología y la torpeza inicial de usar un aparato nuevo.

IMAGEN EN EL ESPACIO